Arropada por la vegetación circundante y abierta al azul del horizonte desde las alturas, la casa acristalada concebida por Bruno Erpicum, consigue aislarse y crear un mundo propio a caballo entre interior y exterior. Las paredes de vidrio invitan a entrar a toda la luz del Mediterráneo, se asoman al mar, a las colinas cubiertas de pinares y al cielo. Encima de un primer nivel que acoge los dormitorios se levanta un segundo piso cuyo gran espacio común abarca las zonas de estar, comer y cocinar, proyectándose mediante una pasarela hacia un volumen anexo cuya superficie azul nos invita a zambullirnos y asomarnos, con el cuerpo todavía sumergido, a la vista de la bahía.

Ya refrescados y de vuelta al espacio común, nos acercamos a una imponente isla bulthaup b3 en laminado blanco, contrapuesta al telón de fondo de un frente de módulos columna en roble vertical de acabado marrón oscuro. Sacamos dos tomates de aroma irresistible. Al lavarlos bajo el agua fría, levantamos la vista y sin darnos cuenta dejamos la mirada perdida un largo rato en una vela blanca que cruza la distancia azul.

Arquitecto:  Bruno Erpicum.
Lugar:  “ Puig manya” Cap martinet
Fotografías: Casa Viva y Diseño Interior.

Fecha instalación:  2008

Diseñar significa buscar con pasión la esencia de las cosas. Mediante la depuración de las formas se intensifica la comunicación entre hombre y objeto.

La gente me pregunta a menudo por qué utilizo en mis diseños sólo formas geométricas elementales: la cámara Optima con el sensor rojo no es más que un paralelepípedo rectangular, la forma circular predomina en la lámpara Orbis, la forma de la Orion es un clarísimo cilindro, los sistemas de cocina muestran tan sólo superficies cuadradas y rectangulares.

Pues bien, yo diseño así por convicción. Para mí, lo más importante no son los valores y criterios estéticos, sino éticos, no sostengo que los objetos diseñados conforme al canon de las formas geométricas elementales tengan, por ese mismo hecho, mejor aspecto o posean mayor calidad estética. Simplemente, los considero más apropiados para crear un entorno diseñado con sentido práctico y que propicie una mayor calidad de vida. Ése es el tema que a mí me interesa.

Este credo creativo es mi respuesta a la estimulación exagerada a la que nos vemos expuestos constantemente. No sólo en la calle, también dentro de los edificios estamos rodeados por una miscelánea de objetos más mal que bien diseñados, los cuales, en su efecto total, producen un permanente desasosiego visual. La claridad, la calma y un orden capaz de dar orientación son cosas cada vez más raras.

A mi juicio, no se trata en realidad de un problema estético, sino de un problema antropológico de carácter más profundo. Para que un ser humano pueda tener calidad de vida y sentirse seguro en el mundo y en casa, se necesita que lo rodee una atmósfera positiva. La constitución de esa atmósfera se ve impedida de forma persistente por el complejo entorno de objetos heterogéneos e informaciones desordenadas que nos circunda. Así, una necesidad esencial del hombre queda insatisfecha. Imposible sustraerse a esa atmósfera negativa que nos afecta por multitud de canales y que se vive y se asimila en gran parte de forma inconsciente. Su efecto sobre el estado de ánimo de las personas es de largo alcance.

Gracias a las investigaciones del psicólogo Mihaly Csikszentmihalyi sabemos que todo objeto que capta nuestra atención extrae de nosotros cierta cantidad de energía física y psíquica. Dado que el hombre sólo dispone de un potencial energético limitado, la consecuencia natural de esa permanente sustracción de energía es el agotamiento físico y psíquico; hoy en día, ese fenómeno se denomina “burnout syndrome” (síndrome del desgaste total). En este sentido, no se puede negar que el diseño le corresponda cierta significación antropológica.

Ahora bien, es un hecho que no sufrimos ningún síndrome de desgaste total colectivo. Ello se debe a que de las imágenes y los objetos diseñados adecuadamente también revierte al espectador una porción de energía positiva. En el caso ideal se llega a generar un flujo en la interacción comunicativa entre hombre y objeto que conduce a un sentimiento que  Csikszentmihalyi ha llamado “flow experience”, un estado de motivación continuo e intenso. “Se trata de una experiencia armoniosa en la que el cuerpo y el espíritu interactúan sin esfuerzo y que produce  el sentimiento de que con uno está pasando algo extraordinario”, explica Csikszentmihalyi. En otras palabras, una intensa relación del individuo con el que está haciendo o con las cosas de su entorno –el grado óptimo de comunicación.

Semejante tipo de comunicación intensa entre seres humanos y objetos, sin embargo, sólo se produce si se logra establecer una relación esencial con las cosas. Ello por su parte, es posible sólo si las cosas mismas son esenciales, es decir, si se pone de manifiesto su verdadera esencia. Crear objetos así exige concentración por parte del diseñador. Debe expresar la esencia de las cosas descartando todo lo inesencial, lo cual no significa que debe renunciar a la ornamentación, sino que sólo lo debe hacer si así lo pide la esencia del objeto.

Herbert Schultes. Diseñador nacido en Friburgo, ha diseñado desde fijaciones de esquí para la empresa Marker y sistemas de cocina para bulthaup hasta un restaurante para un ICE de alta velocidad de los ferrocarriles alemanes. Se dio a conocer como responsable del Manual de Diseño Corporativo de Siemens. Durante muchos años fue diseñador jefe de la compañía. Al lado de su trabajo creativo Schultes se dedica también a la enseñanza. Creó el programa de estudios de Diseño industrial de la escuela Superior de Múnich y enseñó en la escuela de diseño de Colonia. Su compromiso con el diseño alemán lo ejerce también como miembro directivo de varias organizaciones.

“La concreción de lo simple es la esencia de su grandeza” Otl Aicher, La cocina para cocinar

Desde sus orígenes, bulthaup ha sostenido su inspiración sobre cuatro pilares: la innovación, la ergonomía, la funcionalidad y la autenticidad de los materiales. El dominio del espacio y del detalle, la ciencia de lo cotidiano, el misterio de la simplicidad y la humildad de lo verdadero convierten cada proyecto bulthaup en una pieza única. Los valores de bulthaup se adaptan a una gran variedad de situaciones.

Como parte de nuestro esfuerzo por promover estos valores fundamentales de la marca, en octubre del 2014 presentamos la segunda edición de los Premios bulthaup | la cocina como espacio vital con dos convocatorias. El 15 de abril del 2015 finalizó el plazo de entrega y el próximo mes de junio comunicaremos la lista de los premiados.

En estas dos convocatorias queremos reconocer el trabajo de los arquitectos y diseñadores de España, Portugal y Andorra, así como de aquellos profesionales sensibles a la visión y a la excelencia en la concepción de espacios vitales: lugares en los que se vive, se comparte, se cocina y se disfruta de la familia, de los amigos y del cotidiano vivir.

La convocatoria  bulthaup project premia aquellos proyectos de cocina sin límite de presupuesto en los que se valoran la creatividad, la calidad de los detalles, la concepción estética y la sensualidad de los materiales -proyectos en los que se aprecie una concepción integral del espacio vital, planteando la cocina como el corazón del hogar.

La convocatoria bulthaup access premia los proyectos que consigan integrar esos mismos valores fundamentales incluso dentro de los límites de un presupuesto que no supere los 25.000 € -  lo que representa un desafío y un aliciente adicionales.

Lo que se busca es aunar los conceptos de lo compacto y lo abierto, provocando ambientes de bienestar en términos de espacio y calidad de vida. Las cocinas bulthaup, sean pequeñas o grandes, se integran de forma natural y armoniosa como espacios vitales con el resto de zonas de la vivienda.

Será un placer presentar próximamente los proyectos de los profesionales que creen en estos valores y proponen creaciones singulares e innovadoras.

Cataluña, el País Vasco y Cantabria son las regiones reconocidas por sus excelentes filetes de anchoas en vinagre. Estos filetes con sabor de la mejor sal marina, son jugosas y están completamente libres de espinas. Durante años, yo nunca he perdido la oportunidad de viajar a Santoña o Carril cada vez que podía. Es el lugar donde encuentras las mejores anchoas y sardinas. Entre Bilbao y Santander, entre Laredo y el Fuerte de San Carlos, donde el agua de mar se encuentra con el delta del río Santoña. Tres ríos desembocan en el delta y crean una calidad rara y única de agua, una mezcla de sal de mar, yodo, algas y partículas similares a las plantas de los ríos. Después de muchos años, me encontré con Ricardo de nuevo, uno de los conocedores de la gastronomía de Cantabria. Esta vez, nuestro punto de encuentro fue un simple hostal en la costa. Quedaba lejos de la carretera principal, y de hecho estaba casi escondido. No puedo recordar si se llama “El Ancla”, “El Pescador” o “Bahía”. Nos sentamos y comimos todo lo que la laguna y el mar nos ofrecían. Anchoas en aceite de oliva más fino, las anchoas en salsa picante, atún en innumerables variaciones, mejillones, vieiras, berberechos, calamares y erizos de mar. Ricardo ordenó un vino blanco simple de la casa, para ir con la comida -y al instante igualó las tapas y su historia, que seguí con entusiasmo.
“Las anchoas y las sardinas son diferentes tipos de peces”, dijo, levantando su dedo índice. “Sí, yo ya lo sabía”, pensé. Pero entonces él me llevó a un territorio completamente desconocido, explicándome cómo las anchoas, se llaman así, al entrar en la lata. “Hoy en día, al igual que en los viejos tiempos, las anchoas se preparan fileteadas a mano, y luego en capas en un recipiente -que en muy buenas empresas se hacen de madera-. Una vez que el barril está casi lleno hasta los topes, se repone con salmuera, cubierto con una tabla redonda y luego lastrado con una piedra, que presiona con cuidado y lentamente, las anchoas “.

Autor. Christiane Strub

 Receta de  Eduard Xatruch  del  Restaurante Compartir de Cadaqués.

bulthaup otorgó el premio “b de bulthaup” 2013 a los tres chefs Oriol Castro, Mateu Casañas y Eduard Xatruch del restaurante “Compartir” de Cadaqués, un proyecto que nació tras su etapa en El Bulli y por el afán por ofrecer la mejor cocina de vanguardia en un entorno singular.

Anchoas con trufa negra, miel de abeto y setas

Tiempo de preparación 60 minutos.

Ingredientes

• 8 anchoas
• 250 gr de aceite de oliva virgen extra
• 10 gr de trufa negra
• 70 gr de aceite de maíz
• 8 setas pequeñas
• 200 gr de aceite de oliva
• 1 diente de ajo
• Sal
• 2 gr de pimienta negra en grano
• Media hoja de laurel
• 10 gr de piñones tostados
• 2 tostadas finas de pan de coca
• 15 gr de miel de abeto
• 12 hojitas de perifollo fresco

 Instrucciones

1. En primer lugar, trituramos la trufa junto al aceite de maíz en un vaso americano. Después lo envasamos al vacío, y lo cocemos a 64º C durante 3 horas. Una vez cocido, lo enfriamos a temperatura ambiente y guardamos en la nevera durante 24 horas.

2. A continuación, repelamos el pie de las setas respetando la forma de éstas.

3. Las escaldamos cinco segundos en agua hirviendo a punto de sal y untamos el aceite con ajo, el laurel y la pimienta.

4. Calentamos la mezcla y cuando el ajo comience a freír lo retiramos del fuego y añadimos las setas escaldadas a punto de sal.

5. Finalmente, confitamos durante 20 minutos a fuego lento, lo retiramos y guardamos a temperatura ambiente.

6. Acabado y emplatado

7. Colocamos 4 lomos de anchoas en el plato. Cortamos las setas por la mitad, y colocamos 4 mitades entre las anchoas. Después aliñamos las setas y la base del plato con el aceite de trufa. Encima del aceite de trufa, repartimos la miel de abeto y los piñones tostados. Finalmente, acabamos rompiendo la tostada en pedazos y disponiéndolas apoyadas en las setas. Distribuimos las hojas de perifollo por el plato.

anchoas de l’Escala

anchoas Ana Maria de Cantabria

anchoas Revilla de Cantabria

las mejores anchoas de España

La pareja escandinava que se decidió a establecer su segunda residencia junto al mar llegó a Marbella ansiando la luz y el calor. Depositaron su plena confianza en el arquitecto Guillermo Priego Iribarnegaray para crear una vivienda que aunara ese anhelo con las circunstancias concretas del emplazamiento y del clima local. Así surgió un espacio que juega con el sol directo y la luz filtrada, con lo visible y lo privado, con el exterior y el interior, alcanzando un perfecto punto de equilibrio.

El uso de blanco, negro y grises sugiere un guiño a la primera modernidad, reforzado por los potentes ejes geométricos del gran espacio común que reúne las zonas para estar, comer y cocinar. Una presencia clave en este juego de tonos y geometrías es la cocina bulthaup: un potente monoblock b3 en aluminio gris con encimera de acero inoxidable contra el discreto telón de fondo de unos muebles columna acabados en lacado blanco mate. Las calderas de la nave, el motor del punto de encuentro.

Este espacio diáfano es el imán que va atrayendo a los propietarios con sus hijos, amigos y nietos al desayunar, al llegar de la playa, al volver de la piscina, al sentarse a charlar a la caída de la tarde, y a decidir cómo preparar el pescado comprado por la mañana, con las grandes puertas correderas abiertas al patio, dejando pasar la brisa del mar.

bulthaup Marbella

M2: 40
Arquitecto: Guillermo Priego Iribarnegaray, estudio OAM106.
Lugar: Urbanización Bahía de Marbella.
Fotografa: Valeria Samman
Fecha Instalación: Sept 2014.

De los árboles vivos a los espacios de vida

El material más creativo en el mundo está creciendo, casi sin nuestra ayuda, y lo está haciendo totalmente en silencio. La madera es un pedazo de la naturaleza. Se respira. Vive. Irradia calor reconfortante, tiene un impacto positivo en la atmósfera de la habitación y ofrece opciones de diseño ilimitadas. Con su color, calor y texturas, la madera estimula nuestros sentidos. Y en estos tiempos rápidamente cambiantes, favorece nuestro anhelo de calma. Los muebles de madera de alta calidad se mueven contigo, y con frecuencia a través de herencias de generación en generación. Tal vez es porque pueden contar historias, ‘todos nos quedamos en algún momento frente a un escritorio, tocando su labor de taracea con amor y pensando en lo mucho que este mueble viejo debe haber visto, oído y experiencias a lo largo de su vida…’.

La madera es como nosotros – individual-. No hay dos piezas de madera iguales, ni siquiera la madera del mismo tipo. Como resultado, los muebles llevan la marca inconfundible del árbol del que se hace. Y eso es lo que estimula e inspira bulthaup el hacer justicia a esta vitalidad con sus muebles. Es un proceso que consiste en la búsqueda de ese carácter especial y expresarlo al máximo en la cocina. Es el punto focal de todo nuestro amor y respeto por la madera.

El camino desde el árbol hasta la cocina es largo. Pero en bulthaup, sólo usamos áreas de cultivo que son administradas de forma sostenible. No usamos la madera de la selva tropical. Después de todo, no tenemos que ir a los confines de la tierra para encontrar la madera. De hecho, pueden están muy cerca – tales como el olmo, manzana y peral suizo.

El olmo se utilizaba para adornar aparadores clásicos hasta que la madera finalmente se definió como “conservador” y se quedó en el olvido. A esto se sumó el hecho de que la enfermedad del olmo holandés también estaba destruyendo la mayoría de los olmos. Hoy en día, el olmo ha reclamado una vez más su posición en el diseño contemporáneo, por ejemplo, por un tono gris sensual o tono rojizo al lado de las superficies de acero inoxidable. La madera del árbol de manzano también establece acentos impresionantes. En el campo, es un árbol común. Pero en la casa, sigue siendo algo bastante exótico. Esto se debe a que su chapa es extremadamente difícil de procesar. La materia prima agrietada e irregular necesita mucha experiencia. Pero vale la pena, ya que con una cuidadosa artesanía, el manzano puede enriquecer el espacio de vida interior. La parte frontal es una pieza única, un emocionante contraste entre luz-oscuridad.

Y hay otro árbol frutal– el peral suizo-. Debido a las condiciones climáticas y el hecho de que crecen en forma silvestre, estos árboles de Suiza Oriental cuentan con un grano vivo, recto. Los ebanistas siempre han estado cautivados por esta madera, que es completamente diferente a la madera del peral convencional. En la década de 1950, el peral suizo era tan escaso que era casi imposible de conseguir.  Se buscó una alternativa y se cultivó un peral de grano de un color más cálido que la del peral original Suizo. Y al final estos se han conocido en el comercio como perales suizos.

Una versión asiática, que cuenta con una apariencia natural y de alta calidad, es el bambú. Con una superficie aterciopelada-mate, tiene una chapa fina, de rayas con nudos, conocidos como nodos.

El nogal americano tiene un efecto sobrio y noble, con su grano simple y fino de color gris, natural. En bulthaup, cuidamos la madera con un especial barniz natural  que contiene un tipo de factor de protección contra la luz que protege la chapa contra los efectos de la luz y preserva la deliciosa sensación de nogal.

La única forma de conseguir un risotto cremoso y al dente a la vez es usar arroz carnaroli, variedad procedente de las llanuras de Po. La clave de su preparación es sencilla: consiste en remover, remover y no parar de remover

Al encontrarme por primera vez rodeada por el verde tierno de los arrozales de las llanuras del Po, no pude por más que recordar “Arroz amargo”, la película rodada en aquellos mismos campos .

Silvana Mangano protagonizaba a una humilde campesina de beatífica sonrisa a pesar de su ardua labor  en una película en los campos del de las llanuras del Po. Marisa Vercellone, quien me acompaña en la visita por esos lares, añade. “Me gusta esa película, porque muestra con gran realismo lo duro que era ganarse la vida cultivando arroz aquí. Te pasas horas rodeada de una nube de mosquitos y agachada tanto tiempo que al final del día apenas consigues caminar derecha”.

Marina Vercellone sabe de lo que habla. Su familia lleva varias generaciones cultivando arroz en la hacienda Tenuta Castello. Pero no cultivan arroz cualquiera, sino una variedad cuyo solo nombre provoca una aceleración del ritmo cardíaco entre los entendidos. Los Vercellone se dedican fundamentalmente al cultivo y el cuidado de los tipos de arroz antiguos y menos rentables, aunque extraordinariamente sabrosos, como el carnaroli, la elección más delicada y noble para la preparación del risotto.

A muchos cultivadores no les gusta el carnaroli porque es maduración lenta y azarosa, y no admite la utilización de abonos artificiales. De ahí que su cultivo exija mucho sudor y trabajo. En primavera se abonan los campos con estiércol; en abril se siembran y en mayo se comienza a desherbar, todo lo cual se hace a mano. “Es un trabajo en vías de desaparición. Los cultivadores de arroz prefieren usar pesticidas para matar las malas hierbas, porque es más barato. Nosotros primero tuvimos que buscar mano de obra dispuesta a someterse a un trabajo tan pesado”, explica Marina.

Una vez cosechado, el arroz se seca cuidadosamente y se almacena en silos a una temperatura de diez grados centígrados sin ningún tipo de agente químico que lo proteja de los insectos, el moho o la humedad. La recompensa de todo este largo proceso de arroz perfumado con un delicado aroma de nueces que no se apelmaza al cocerlo y resulta extraordinariamente cremoso.

El arroz en general es conocido en el mundo entero, sobretodo como alimento básico para aplacar el hambre. El hecho de que sea además una delicia culinaria se lo debemos sobre todo a los italianos y a sus risotti. El risotto no tiene nada en común con el arroz como acompañamiento, en primer lugar porque se trata de un plato excepcional por sí mismo y en segundo lugar porque requiere una constante atención durante su elaboración. Dicho de otra forma, para hacer un risotto, todos los ingredientes tienen que prepararse de antemano y además hay que estar por la labor junto los fogones, removiéndole durante unos treinta minutos,

Y como ningún viaje a las llanuras del Po y sus arrozales sería completo sin degustar un verdadero risotto ai funghi porcini. En la cocina, el caldo de pollo lleva largo rato hirviendo y una cebolla grande se dora en abundante mantequilla. El queso parmesano aguarda sobre la mesa de la cocina, listo para rallar. Marina echa arroz hasta que me sorprende: deja el arroz hasta que la cebolla adquiere un tono marrón oscuro. Al observar mi sorpresa, simplemente me dice: “No se preocupe, todo está bajo control. Es muy importante que el arroz sude la mantequilla que ha absorbido. Solo así podrá absorber el caldo”.

Mientras va hablando, echa un chorreón de vino sobre el arroz y unos minutos más tarde parte del caldo. Luego añade los funghi  porcini escurridos y el agua en la que los ha tenido en remojo; sólo cuando el arroz ha absorbido todo el líquido le añade más caldo.

Remover, cocer a fuego lento y luego volver a remover. El proceso se repite hasta que Marina anuncia que el arroz está “all’onda”. En este momento todo adquiere velocidad de vértigo. En una secuencia trepidante aparta la cazuela del fuego, mezcla su contenido con una montaña de parmesano Reggiano, la coloca sobre la mesa y comienza a servir los platos con un cucharón. En cuanto a mí, ¿qué puedo decir? Nunca en mi vida he conseguido un risotto tan sabroso, cremoso y al mismo tiempo al dente. “Esto es exactamente lo que significa all’onda”, me explica Marina. “Una vez que el risotto despide una blanda ola (onda), agitas un poco el plato en el momento de servirlo y queda perfecto”.

Christiane Strub

Tenuta Castello

Recetas de risotto de Tenuta Castello

Fuente fotográfica: CNICE, allcladtk, Tenuta Castello.

La fotografía y la arquitectura son viejas aliadas. Sin embargo, una comprensión exclusivamente visual de los edificios puede ir en detrimento de otras maneras de disfrutar las obras arquitectónicas.

En el momento en que uno se ve imposibilitado de reducir lo visto a una instantánea – que se almacena de inmediato en forma de diapositiva en nuestro archivo mental de imágenes de edificios- , otros sentidos distintos se activan para registrar, comprender y evaluar nuestra experiencia.

1. Cuando visité un museo que estaba expuesta la escultura “Joe” de Richard Serra, obra hecha de plancha de acero de cinco centímetros de espesor y que forma parte de la serie “Espirales torcidas dos veces”. La escultura se encontraba en el patio exterior del museo; cuando entré en la concha de caracol de cuatro metros y medio de altura y 125 toneladas de peso, comenzaba a anochecer. Las paredes herrumbrosas que se van cerrando para formar un túnel sin suturas no parecían de ese metal pesadísimo, sino más bien semejaban superficies de un terciopelo de exuberante sensualidad. Y cuanto más se reducía la vuelta y más estrecho se tornaba el pasadizo, tanto más claramente percibía el calor del sol almacenado durante el día del acero. De repente caí en la cuenta del espesor y la pesadez de las superficies que Serra obliga a hacer tantas curvas y dar tantas vueltas.
2. Tuve la oportunidad de visitar en verano las termas construidas por Peter Zumthor, un balneario termal, así llamado, en la población suiza de Vals. He dicho “así llamado” para restringir el significado del término “balneario termal”, ya que éste, con sus connotaciones de descanso y holgazanería, no designa de modo adecuado lo que de verdad sucede en Vals. Según mi propia experiencia, la estancia ahí tuvo sin duda alguna un efecto terapéutico, para mi espíritu no menos que para mi cuerpo. El edificio construido por Zumthor, situado en medio de una pendiente al lado de un hotel que existía de antemano, es más fácil sentirlo que visualizarlo. Para acceder al baño termal, tuve que pasar por el hotel y descender a un lugar subterráneo: el sendero ideal para sufrir una metamorfosis, un escenario concebido para Parsifal y que activa todos los sentidos. Luego, después de haber entregado mi ropa y el resto de mis objetos personales –móvil, cartera, llaves-, me encontré de repente en un mundo crepuscular y húmedo con torrentes de luz cayendo de lo alto a guisa de contrapunto. Los principales recintos del baño consisten en una secuencia ininterrumpida de ámbitos abiertos con unas escaleras bajas que conducen a unas albercas delimitadas por recia mampostería y no menos robustos pilares, los cuales salen de las albercas para forma la estructura central de las alas. Tanto paredes como pilares están hechos del mismo gneis verdoso cortado en losas oblongas rectangulares que se superponen siguiendo el ejemplo de los muros ladrillos romanos antiguos. La disposición de las tres albercas corrobora la referencia al modelo clásico: al igual que en las termas de los romanos, aquí hay también un frigidarium, un tepidarium y un caldarium, con agua fría, tibia y caliente, respectivamente. Cuanto más consciente es la precisión con la que el propio cuerpo sirve de instrumento para medir la intensidad de las experiencias allí vividas, tanto más absurdo parece el hecho de que todos los visitantes del balneario lleven puesto el bañador. Hay una cuarta alberca repleta de agua caliente y una multitud de flores silvestres que exhalan su maravilloso aroma, perfumando todo el balneario. Otra cámara resulta accesible sólo por una abertura por debajo el agua. Una vez que se encuentra uno dentro de este lugar herméticamente cerrado, se comprueba la ausencia de todo tipo de materiales blandos capaces de amortiguar los ruidos, de manera que el más silencioso susurro es reflejado y amplificado melodiosamente por la piedra desnuda y el agua. Yo me siento en un rincón y produzco un zumbido que bajo circunstancias normales apenas se habría escuchado: aquí, sin embargo, resuena maravillosamente, como si hubiese salido de un voluminoso instrumento de música.
3. En Tokio  -La Galería del Tesoro del templo de Horyji-, en el que están expuestas las magníficas piezas de un venerable tempo de Nara. Los objetos exhibidos están hechos principalmente de madera, papel y tela, materiales muy sensibles, por lo que la iluminación interior es muy suave. Me encuentro en la galería principal. Una pared de bronce sirve de protección a la vez que de fondo a las piezas iluminadas individualmente. En la sala se alzan dos columnas, cosa que encuentro extraña. Le pregunto a Yoshio Tanaguchi, el arquitecto que diseño la galería, por su sentido. Tanaguchi me explica que todos los templos famosos de Japón eran construcciones de madera. Los más importantes de ellos eran también los más grandes, y ya que la madera no es un material de construcción precisamente fiable, por lo general se erigían en los templos dos columnas a ambos lados de la estatua de Buda, que estaba situada en el centro. ¿Y la pared de bronce? Las campanas de los templos son todas de bronce, y por esos el arquitecto había querido que tanto la pared de bronce como las dos columnas contribuyeran a evocar de modo inconsciente el entorno original de los objetos de arte.
4. Hasta 1989, año en que fue reconstruido de nuevo, muy pocas personas conocían el Pabellón Alemán edificado por Mies Van der Rohe en 1929 con motivo de la Exposición Universal de Barcelona excepto a través de viejas fotografías en blanco y negro. Un amigo mío me mostró lo que escribió en su diario tras visitarlo: “Al ambular por el Pabellón tomé conciencia por primera vez de lo que significa el espacio, tal como si un pez entendiera de repente lo que es el agua, en caso de que fuera capaz de eso”. En mi caso, el verdadero choc fueron los colores. Yo siempre me lo habría imaginado, erróneamente, igual que un templo griego antiguo, en tonos de blanco y gris. Menuda sorpresa me llevé al constatar la policroma realidad, en ambos casos por cierto. Al tratar de concentrar mi mirada en la superficie de los materiales del Pabellón, caigo en la cuenta de la increíble  variedad de reflejos que aparecen en el agua, el vidrio, el cromo, el mármol pulido y el ónix. Una placentera multiplicidad de vistas se revela al ojo del espectador. De pronto, veo la “Mañana” de Kolbe reflejada en el ónix, me veo a mi mismo reflejado en el mármol, veo a un vigilante reflejado en el vidrio que de otro modo en absoluto habría visto…¿Podría haber sido ésa realmente la intención de Mies? ¿Era el Pabellón obra del severo funcionalista tan denostado por los voceros del postmodernismo?

Terence Riley. Nacido en Elgin, Illinois, Riley estudió arquitectutra en las Universidades de Notre Dame y Columbia antes de fundar con John Keenen un estudio de arquitectos del que todavía es miembro. Como arquitecto, curador, profesor y crítico, Terence Riley es un líder reconocido a nivel internacional en el diseño y desarrollo de servicios y programas culturales con gran importancia arquitectónica en todo el mundo. Riley ha jugado un papel principal en la selección y diseño arquitecto procesos para la renovación y ampliación del Museo de Arte Moderno (Nueva York), el Museo de Arte de Miami, y el Museo de Arte, Diseño y Medio Ambiente (Murcia, España).

La historia del café: de cómo una semilla conquistó a reyes y papas, a burgueses y a trabajadores, y cambió el mundo entero.

Cada mañana, poco después del amanecer, Said Ahmad Wardah recorre las estrechas callejuelas del casco viejo de Saná para abrir su pequeña tienda. Nada más entrar, pone a calentar agua en un hornillo de queroseno, coloca unos vasitos encima del mostrador y espera a que vayan llegando los hombres después de orar en la mezquita. Lo que les ofrece es la especialidad de la casa: café yemení.

Nadie sabe cuándo en la antigua capital de este árido país del extremo sudoeste de la península arábiga a alguien se le ocurrió por primera vez tostar el fruto del árbol del café sobre una losa de piedra, molerlo y luego hacer una infusión de agua. Lo único cierto es que cuando, en el siglo XVI, los primeros marineros europeos llegaron al puerto de Al-Mukha, hacía ya mucho tiempo que los yemeníes habían desarrollado el gusto por el sabor de una bebida que, al cabo de pocas décadas, llegaría a convertirse en patrimonio cultural del mundo entero.

Lo que trajeron consigo portugueses y holandeses de sus viajes más allá del cuerno de África y que llamaban Moka, es lo que los yemeníes denominan “bunn”. El nombre viene asociado a un breve apogeo económico dentro de la historia de este país. Mientras se iban abriendo en una ciudad comercial europea tras otra réplicas del pequeño negocio de Said, Yemen todavía seguía disfrutando del monopolio del café.

Hoy en día, sin embargo, el café yemení, aunque sigue siendo muy apreciado, es una rareza. A pesar de que en el mercado mundial el café constituye, tras el petróleo, la segunda materia prima en importancia –una materia prima de la que dependen más de 25 millones de personas–, desde que un peregrino musulmán llevó la semilla de la planta (conocida oficialmente desde 1737 como coffea arabica) al sur de la India y de allí pasó a Java, llevada por los comerciantes holandeses, Yemen apenas se beneficia de ello. En la actualidad, el café se cultiva extensamente en Indonesia, en América Central y en América del Sur.

Parece que el cafeto tiene su origen en los bosques montañosos de Gamo-Gofa, Sidarno y Kefa (también llamado Kaffa), en Etiopía. Este último topónimo tiene un sonido similar al de la palabra árabe para designar el café, “qahwah”, de la que derivaría nuestro nombre para dicha infusión. Aunque esta explicación no cuenta con la unanimidad de los lingüistas, lo que sí sabemos es que la palabra árabe para café esta relacionada con una regla de conducta aplicada a los musulmanes. Qahwah no es otra cosa que el vino, prohibido para los seguidores del Corán.

Los inicios de la cultura europea del café están mejor documentados. Empezó después de la guerra de los treinta años, a mediados del siglo XVII, cuando surgieron las primeras rutas comerciales desde la península arábiga – por mar, pasando por Italia, y por tierra, a través de los Balcanes – y paralelamente se fue desarrollando una red de distribución en las capitales comerciales. Y mientras los cafés tostaban sus propios granos, los farmacéuticos y los comerciantes ambulantes turcos vendían semillas sin tostar a los particulares.

El efecto más destacado que el café parecía provocar era la predisposición de la gente a la sociabilidad. Así, a mediados del siglo XVII, estaba de moda en las cortes europeas consumirlo en interiores orientalizantes y vestidos a la turca. La tendencia se denominó “mode à la turque”. Como todas las modas, vino y se fue, lo mismo que la desazón del Vaticano – el papa Clemente VIII, por temor a los misteriosos peligros de una bebida posiblemente demoniaca, antes de entregarse a su deliciosa aroma, como medida de precaución bautizó su primera taza.

Hoy en día ya nadie se cree que el café sea afrodisíaco. Ello se debe, en parte, a que las emergentes clases medias, en muchos lugares imbuidas de una ética protestante y con una visión racionalista de la vida, adoptaran una perspectiva más objetiva del tomar café. Al principio, se creyó que los granos servían de antídoto para el tan extendido alcoholismo. Luego, el café de la mañana pasó a simbolizar la laboriosidad y sobriedad burguesas, combinadas con un afán de buenas compañías y un buen estilo de vida. Y así empezó a tomarse café en muy diversos ámbitos, unos frecuentados por hombres, como los cafés, y otros, como las tertulias privadas, predominantemente femeninos.

El café moviliza las reservas de energía. El placer del café parecía simbolizar a la perfección una nueva clase social, que gustaba de transformar las antiguas costumbres aristocráticas con una nueva perspectiva terrenal. Y el gusto por lo decorativo, expresado mediante los servicios de café de porcelana pintada a mano, por lo que se llegaban a pagar pequeñas fortunas.

Durante el siglo XIX, el café se popularizó entre la clase obrera –sobre todo como sustituto de la comida. Un trago de café, ingerido incluso en un puesto callejero y en una taza tosca de hojalata o de esmalte, creaba la ilusión de la comida caliente. En las breves pausas durante las agotadoras jornadas de trabajo, el café era capaz de movilizar hasta las últimas reservas de energía.

La creciente popularidad del café y el creciente número de zonas de cultivo estimularon la creatividad de los tostaderos y de los establecimientos de cafés, hasta el punto de generar, como en Italia, un léxico completo para describir sus legendarias variantes: cappuccino, macchiato, latte macchiato, ristretto, lungo, corretto, caffè latte…

Como inspiración proponemos:

Café vienés

Ingredientes (para 2 personas)

100 gr de cacao en polvo

500 ml de café exprés

200 ml de nata para montar

Azúcar al gusto

1 pizca de canela en polvo

• Para obtener el café  vienés, lo primero que debemos hacer es preparar el café exprés. Con este      método de preparación obtenemos un café mucho más rápido y concentrado.
• Servimos el café exprés en dos tazas individuales, añadimos una cucharadita de azúcar y removemos. En un cazo, fundimos el chocolate con 50 mililitros de la nata líquida,  preferentemente al baño María.
• Cuando esté listo, lo repartimos entre los dos cafés y lo mezclamos. Incluso, si lo preferimos,  podemos mezclar el café con el chocolate antes de servirlo y batirlo para que quede una mezcla más suave.
• Montamos el resto de la nata con una pizca de azúcar hasta que esté firme. Coronamos el café vienés con la nata montada y lo espolvoreamos con un poco de canela en polvo. Lo servimos de inmediato en tazas de cristal o copas pequeñas.

Al proyectar un amplio sobreático en el que el propietario pasaría parte del año, el estudio Urgell Arquitectes SLP, en colaboración con el arquitecto Tristan Velasco, optó por una valiente estética mid-century modern en la que los distintos tonos y los veteados de la madera adquieren especial protagonismo, tanto en los interiores como en las terrazas: roble al aceite, manzano, madera de Ipe.

Un gran ámbito central hace a la vez de salón, comedor y cocina, abriéndose a la terraza, avanzando hacia la luz. Al acertado equilibrio de tonos entre el roble claro del suelo y el potente veteado de los paneles de manzano –practicables para ocultar frigorífico, almacenamiento, los detalles del cotidiano vivir – se suman los grises de los sofás y el negro de los sillones y de la mesa que continúa el potente bloque de la retaguardia: una sólida isla bulthaup en aluminio gris oscuro, recubierta de granito de Zimbabue. Esta rotunda presencia escultórica ancla el conjunto en el espacio compartido, propiciando el cocinar, mirar por los ventanales y, según el ángulo del sol y la brisa que sople, decidir juntos si salir a la terraza, copa de vino en mano, o quedarse dentro, seguir charlando y cenar viendo crepitar el fuego.

El sosiego del equilibrio es lo que invita a quedarse: lo que empezó como vivienda estacional acabó por seducir el año entero.

bulthaup Barcelona, bach 7

Arquitectos: Urgell Arquitectos y Tristan Velasco

Project management: Roger Fernandez de Söder Property management

Fotógrafo:  Eugeni Aguilo Aroca

m2: 20 m2

Localización: Barcelona