Diseñar significa buscar con pasión la esencia de las cosas. Mediante la depuración de las formas se intensifica la comunicación entre hombre y objeto.

La gente me pregunta a menudo por qué utilizo en mis diseños sólo formas geométricas elementales: la cámara Optima con el sensor rojo no es más que un paralelepípedo rectangular, la forma circular predomina en la lámpara Orbis, la forma de la Orion es un clarísimo cilindro, los sistemas de cocina muestran tan sólo superficies cuadradas y rectangulares.

Pues bien, yo diseño así por convicción. Para mí, lo más importante no son los valores y criterios estéticos, sino éticos, no sostengo que los objetos diseñados conforme al canon de las formas geométricas elementales tengan, por ese mismo hecho, mejor aspecto o posean mayor calidad estética. Simplemente, los considero más apropiados para crear un entorno diseñado con sentido práctico y que propicie una mayor calidad de vida. Ése es el tema que a mí me interesa.

Este credo creativo es mi respuesta a la estimulación exagerada a la que nos vemos expuestos constantemente. No sólo en la calle, también dentro de los edificios estamos rodeados por una miscelánea de objetos más mal que bien diseñados, los cuales, en su efecto total, producen un permanente desasosiego visual. La claridad, la calma y un orden capaz de dar orientación son cosas cada vez más raras.

A mi juicio, no se trata en realidad de un problema estético, sino de un problema antropológico de carácter más profundo. Para que un ser humano pueda tener calidad de vida y sentirse seguro en el mundo y en casa, se necesita que lo rodee una atmósfera positiva. La constitución de esa atmósfera se ve impedida de forma persistente por el complejo entorno de objetos heterogéneos e informaciones desordenadas que nos circunda. Así, una necesidad esencial del hombre queda insatisfecha. Imposible sustraerse a esa atmósfera negativa que nos afecta por multitud de canales y que se vive y se asimila en gran parte de forma inconsciente. Su efecto sobre el estado de ánimo de las personas es de largo alcance.

Gracias a las investigaciones del psicólogo Mihaly Csikszentmihalyi sabemos que todo objeto que capta nuestra atención extrae de nosotros cierta cantidad de energía física y psíquica. Dado que el hombre sólo dispone de un potencial energético limitado, la consecuencia natural de esa permanente sustracción de energía es el agotamiento físico y psíquico; hoy en día, ese fenómeno se denomina “burnout syndrome” (síndrome del desgaste total). En este sentido, no se puede negar que el diseño le corresponda cierta significación antropológica.

Ahora bien, es un hecho que no sufrimos ningún síndrome de desgaste total colectivo. Ello se debe a que de las imágenes y los objetos diseñados adecuadamente también revierte al espectador una porción de energía positiva. En el caso ideal se llega a generar un flujo en la interacción comunicativa entre hombre y objeto que conduce a un sentimiento que  Csikszentmihalyi ha llamado “flow experience”, un estado de motivación continuo e intenso. “Se trata de una experiencia armoniosa en la que el cuerpo y el espíritu interactúan sin esfuerzo y que produce  el sentimiento de que con uno está pasando algo extraordinario”, explica Csikszentmihalyi. En otras palabras, una intensa relación del individuo con el que está haciendo o con las cosas de su entorno –el grado óptimo de comunicación.

Semejante tipo de comunicación intensa entre seres humanos y objetos, sin embargo, sólo se produce si se logra establecer una relación esencial con las cosas. Ello por su parte, es posible sólo si las cosas mismas son esenciales, es decir, si se pone de manifiesto su verdadera esencia. Crear objetos así exige concentración por parte del diseñador. Debe expresar la esencia de las cosas descartando todo lo inesencial, lo cual no significa que debe renunciar a la ornamentación, sino que sólo lo debe hacer si así lo pide la esencia del objeto.

Herbert Schultes. Diseñador nacido en Friburgo, ha diseñado desde fijaciones de esquí para la empresa Marker y sistemas de cocina para bulthaup hasta un restaurante para un ICE de alta velocidad de los ferrocarriles alemanes. Se dio a conocer como responsable del Manual de Diseño Corporativo de Siemens. Durante muchos años fue diseñador jefe de la compañía. Al lado de su trabajo creativo Schultes se dedica también a la enseñanza. Creó el programa de estudios de Diseño industrial de la escuela Superior de Múnich y enseñó en la escuela de diseño de Colonia. Su compromiso con el diseño alemán lo ejerce también como miembro directivo de varias organizaciones.

La fotografía y la arquitectura son viejas aliadas. Sin embargo, una comprensión exclusivamente visual de los edificios puede ir en detrimento de otras maneras de disfrutar las obras arquitectónicas.

En el momento en que uno se ve imposibilitado de reducir lo visto a una instantánea – que se almacena de inmediato en forma de diapositiva en nuestro archivo mental de imágenes de edificios- , otros sentidos distintos se activan para registrar, comprender y evaluar nuestra experiencia.

1. Cuando visité un museo que estaba expuesta la escultura “Joe” de Richard Serra, obra hecha de plancha de acero de cinco centímetros de espesor y que forma parte de la serie “Espirales torcidas dos veces”. La escultura se encontraba en el patio exterior del museo; cuando entré en la concha de caracol de cuatro metros y medio de altura y 125 toneladas de peso, comenzaba a anochecer. Las paredes herrumbrosas que se van cerrando para formar un túnel sin suturas no parecían de ese metal pesadísimo, sino más bien semejaban superficies de un terciopelo de exuberante sensualidad. Y cuanto más se reducía la vuelta y más estrecho se tornaba el pasadizo, tanto más claramente percibía el calor del sol almacenado durante el día del acero. De repente caí en la cuenta del espesor y la pesadez de las superficies que Serra obliga a hacer tantas curvas y dar tantas vueltas.
2. Tuve la oportunidad de visitar en verano las termas construidas por Peter Zumthor, un balneario termal, así llamado, en la población suiza de Vals. He dicho “así llamado” para restringir el significado del término “balneario termal”, ya que éste, con sus connotaciones de descanso y holgazanería, no designa de modo adecuado lo que de verdad sucede en Vals. Según mi propia experiencia, la estancia ahí tuvo sin duda alguna un efecto terapéutico, para mi espíritu no menos que para mi cuerpo. El edificio construido por Zumthor, situado en medio de una pendiente al lado de un hotel que existía de antemano, es más fácil sentirlo que visualizarlo. Para acceder al baño termal, tuve que pasar por el hotel y descender a un lugar subterráneo: el sendero ideal para sufrir una metamorfosis, un escenario concebido para Parsifal y que activa todos los sentidos. Luego, después de haber entregado mi ropa y el resto de mis objetos personales –móvil, cartera, llaves-, me encontré de repente en un mundo crepuscular y húmedo con torrentes de luz cayendo de lo alto a guisa de contrapunto. Los principales recintos del baño consisten en una secuencia ininterrumpida de ámbitos abiertos con unas escaleras bajas que conducen a unas albercas delimitadas por recia mampostería y no menos robustos pilares, los cuales salen de las albercas para forma la estructura central de las alas. Tanto paredes como pilares están hechos del mismo gneis verdoso cortado en losas oblongas rectangulares que se superponen siguiendo el ejemplo de los muros ladrillos romanos antiguos. La disposición de las tres albercas corrobora la referencia al modelo clásico: al igual que en las termas de los romanos, aquí hay también un frigidarium, un tepidarium y un caldarium, con agua fría, tibia y caliente, respectivamente. Cuanto más consciente es la precisión con la que el propio cuerpo sirve de instrumento para medir la intensidad de las experiencias allí vividas, tanto más absurdo parece el hecho de que todos los visitantes del balneario lleven puesto el bañador. Hay una cuarta alberca repleta de agua caliente y una multitud de flores silvestres que exhalan su maravilloso aroma, perfumando todo el balneario. Otra cámara resulta accesible sólo por una abertura por debajo el agua. Una vez que se encuentra uno dentro de este lugar herméticamente cerrado, se comprueba la ausencia de todo tipo de materiales blandos capaces de amortiguar los ruidos, de manera que el más silencioso susurro es reflejado y amplificado melodiosamente por la piedra desnuda y el agua. Yo me siento en un rincón y produzco un zumbido que bajo circunstancias normales apenas se habría escuchado: aquí, sin embargo, resuena maravillosamente, como si hubiese salido de un voluminoso instrumento de música.
3. En Tokio  -La Galería del Tesoro del templo de Horyji-, en el que están expuestas las magníficas piezas de un venerable tempo de Nara. Los objetos exhibidos están hechos principalmente de madera, papel y tela, materiales muy sensibles, por lo que la iluminación interior es muy suave. Me encuentro en la galería principal. Una pared de bronce sirve de protección a la vez que de fondo a las piezas iluminadas individualmente. En la sala se alzan dos columnas, cosa que encuentro extraña. Le pregunto a Yoshio Tanaguchi, el arquitecto que diseño la galería, por su sentido. Tanaguchi me explica que todos los templos famosos de Japón eran construcciones de madera. Los más importantes de ellos eran también los más grandes, y ya que la madera no es un material de construcción precisamente fiable, por lo general se erigían en los templos dos columnas a ambos lados de la estatua de Buda, que estaba situada en el centro. ¿Y la pared de bronce? Las campanas de los templos son todas de bronce, y por esos el arquitecto había querido que tanto la pared de bronce como las dos columnas contribuyeran a evocar de modo inconsciente el entorno original de los objetos de arte.
4. Hasta 1989, año en que fue reconstruido de nuevo, muy pocas personas conocían el Pabellón Alemán edificado por Mies Van der Rohe en 1929 con motivo de la Exposición Universal de Barcelona excepto a través de viejas fotografías en blanco y negro. Un amigo mío me mostró lo que escribió en su diario tras visitarlo: “Al ambular por el Pabellón tomé conciencia por primera vez de lo que significa el espacio, tal como si un pez entendiera de repente lo que es el agua, en caso de que fuera capaz de eso”. En mi caso, el verdadero choc fueron los colores. Yo siempre me lo habría imaginado, erróneamente, igual que un templo griego antiguo, en tonos de blanco y gris. Menuda sorpresa me llevé al constatar la policroma realidad, en ambos casos por cierto. Al tratar de concentrar mi mirada en la superficie de los materiales del Pabellón, caigo en la cuenta de la increíble  variedad de reflejos que aparecen en el agua, el vidrio, el cromo, el mármol pulido y el ónix. Una placentera multiplicidad de vistas se revela al ojo del espectador. De pronto, veo la “Mañana” de Kolbe reflejada en el ónix, me veo a mi mismo reflejado en el mármol, veo a un vigilante reflejado en el vidrio que de otro modo en absoluto habría visto…¿Podría haber sido ésa realmente la intención de Mies? ¿Era el Pabellón obra del severo funcionalista tan denostado por los voceros del postmodernismo?

Terence Riley. Nacido en Elgin, Illinois, Riley estudió arquitectutra en las Universidades de Notre Dame y Columbia antes de fundar con John Keenen un estudio de arquitectos del que todavía es miembro. Como arquitecto, curador, profesor y crítico, Terence Riley es un líder reconocido a nivel internacional en el diseño y desarrollo de servicios y programas culturales con gran importancia arquitectónica en todo el mundo. Riley ha jugado un papel principal en la selección y diseño arquitecto procesos para la renovación y ampliación del Museo de Arte Moderno (Nueva York), el Museo de Arte de Miami, y el Museo de Arte, Diseño y Medio Ambiente (Murcia, España).

Dan Lerner ha consagrado su trabajo en la bulthaup Culinary Academy de Tel Aviv al legado culinario de su madre, una conocida periodista gastronómica. Su pasión por la buena comida era contagiosa: se trasmitió a su familia y a una nación entera con hambre de buena vida, instaurando una nueva tradición culinaria israelita y contemporánea.

Marzo de 2011, un restaurante distinguido en Ramat Gan, una ciudad al este de Tel Aviv. La crítica gastronómica y escritora Dalia Penn-Lerner recibe la máxima condecoración de la sección israelí de la Confrérie de la Chaîne des Rôtisseurs. Acompañada de su familia, sus amigos y los miembros de la cofradía, hace gala de su característica humildad: «Me llena de alegría estar presente aquí en este día. Es un verdadero placer. Pero no soy muy amiga de los grandes discursos. Simplemente quiero darles mi más cordial agradecimiento». Penn-Lerner, la «primera dama del mundo culinario de Israel», ha sido durante 30 años la Consejera Culinaria de la cofradía y por tanto responsable de la selección, la revision y la aprobación de los platos que se sirven en los encuentros de la Chaîne des Rôtisseurs. Considerando su inmenso conocimiento, su exquisito paladar, su finísimo sentido del gusto y su célebre pasión por la buena comida, era sin duda la persona más adecuada para el cargo. Pero ahora, a la edad de 75 años, anuncia algo emocionada su retiro: «He realizado mi contribución. Ha llegado el momento de dejar que otros ocupen el escenario». Fallece un año después, en septiembre de 2012. Julio de 2014, sur de Tel Aviv. Dan Lerner, el hijo menor de Penn-Lerner, abre las puertas de su hermoso loft en la 11ª planta de un edificio industrial. Aquí vive, cocina y escribe. En las estanterías hay cientos de libros de cocina, prueba fehaciente de la larga e ilustre carrera de su madre, presente en cada esquina de la vivienda: en las fotos, en su colección de libros de gastronomía, en las cazuelas que él ha heredado y en los centenares de recetas y artículos que ella publicó durante su carrera, todos ellos clasificados pulcramente en cajas y carpetas. Esta es la obra de  su hijo, que ha dirigido la bulthaup Culinary Academy continuando el gran legado culinario de su madre. Para comprender este legado hay que retroceder varias décadas y trasladarse a Londres, donde Dalia Penn-Lerner es todavía una joven actriz y está casada con Alex Lerner, uno de los directores de Marks & Spencer. En su juventud Dalia disfrutó plenamente de la vida, realizó numerosos viajes de descubrimiento gastronómico y visitó un sinfín de viñedos y restaurantes con y sin estrella.

A finales de la década de los sesenta los Lerner viajaron a Israel para contribuir a la recuperación del país tras la Guerra de los Seis Días. Allí se instalaron y, poco después, Penn-Lerner decidió asistir a la prestigiosa escuela de cocina Le Cordon Bleu en París y en Londres. Al parecer, las artes culinarias de su casera no eran demasiado refinadas. Entabló contacto con chefs internacionales y, gracias a su conocimiento gastronómico y a su enorme talento, pronto se convirtió en una auténtica referencia. «Era muy culta e invertía mucho tiempo en investigaciones y experimentos culinarios. Tenía un sentido del gusto tan fino que no solo podía descifrar los distintos sabores, sino también ordenarlos históricamente. Era capaz de determinar la génesis de cada comida. Reconocía cuál de mis platos era el más novedoso, el mejor o el más interesante… y siempre acertaba», relata el chef Erez Komarovsky, un pionero de la nueva cocina israelí e íntimo amigo de Dalia. «Mi madre apostaba por los ingredients de calidad y porque el sabor de la comida fuera siempre natural. En la cocina adoraba la sencillez», explica Dan Lerner. «Le causaba un gran placer descubrir cocineros que aún estaban al principio de su carrera y echarles una mano. Llamaba a los mejores chefs del mundo, que eran amigos suyos, y acordaba con ellos unas prácticas para los jóvenes cocineros sin pedir nunca nada a cambio». En los años ochenta Penn-Lerner comenzó a escribir. Fue la primera persona que habló sobre comida no kosher en la prensa de Israel, y su columna semanal introducía las novedades del mundo culinario internacional en la cocina israelí. «Jamás llegaré a la altura de los zapatos de mi madre… eran zapatos realmente grandes», añade Lerner.

Quizás no llegue nunca a alcanzar su grandeza, pero su dedicación al mundo de la cocina está indudablemente inspirada por ella. A fin de cuentas, Lerner interiorizó desde su más tierna infancia la cultura alimentaria y culinaria del hogar familiar. «Mientras mi hermana jugaba fuera al fútbol, yo cocinaba con mi madre», recuerda entre risas. «Al principio solamente la miraba y con el paso del tiempo me dejó cocinar. De hecho, durante muchos años fui su mano derecha en la cocina». «Me enseñó los fundamentos: cómo se preparan salsas o aliños, cómo se sostiene y se maneja un cuchillo, cómo se prueba la comida y cómo se evalúa. Aunque fumaba tres paquetes de cigarrillos al día, mi madre tenía un paladar extraordinario e increíblemente preciso, casi como un ordenador. Podia descubrir todos los ingredientes ocultos en cada plato». En su familia todo giraba en torno a la cocina. «En la mesa hablábamos de comida; nos impartía una charla sobre cada plato que probábamos, de modo que al final sabíamos exactamente de dónde procedía cada materia prima. Después yo contaba entusiasmado a mis amigos del colegio que el día anterior habíamos comido sushi, langosta o milanesa. No sabían de lo que les hablaba. Cuando mis amigos me visitaban y abrían el frigorífico para coger una bebida, a veces se llevaban un buen susto con las ostras o las langostas vivas. Era exótico. De pequeños acompañábamos a nuestros padres en sus viajes de exploración gastronómica y visitamos países como Italia, Francia o España». Con esta infancia no resulta tan sorprendente que Lerner abriera su primer bar restaurante a los 21 años: el B Square en Jaffa. El grueso de la carta se basaba en las recetas de su madre. A principios de los noventa se mudó a Suiza, donde obtuvo el título de ’Bachelor of Science in Hospitality Management and Business Administration’. Regresó a Israel y dirigió varios restaurantes antes de retornar a Europa, donde participó en un seminario de dirección de Marks & Spencer en Londres. A continuación se mudó a Nueva York, donde abrió un local de tapas españolas llamado Azafrán. «La cocina española es mi cocina favorita. Además es la única que conozco mejor que mi madre», comenta Lerner. Cuando el Azafrán cerró, ocupó el cargo de director adjunto y sumiller en el legendario restaurante neoyorquino Brasserie. Vivió diez años en Nueva York. Entonces volvió a Israel para estar cerca de  su madre, que por aquel entonces ya estaba muy enferma. Fue Director Ejecutivo del GrupoCatit (del gran chef Meir Adoni) y Project manager para Nueva York de Breads Bakery, una reputada panadería de Tel Aviv. A principios de 2014 asumió la dirección de la primera bulthaup Culinary Academy. Además ha sido miembro del jurado del Campeonato Mundial de Barbacoa, organizado anualmente por la Kansas City Barbecue Society.

Texto: Merav Sarig

Fotos: Michal Chelbin/INSTITUTE

Alcachofas con vinagreta de Dalia Penn-Lerner

Ingredientes (para 6 porciones)

6 alcachofas

1 limón, partido por la mitad

4 cucharadas de vinagre de vino blanco o de zumo de limón

sal

Para la vinagreta:

2 cucharadas de vinagre de vino

sal gruesa y pimienta

6 cucharadas de aceite de oliva

La yema de dos huevos duros, picada gruesa

2 cebolletas o chalotas, picadas

1 cucharada de alcaparras, picadas

Preparación:

Para hacer la vinagreta, disuelva la sal en el vinagre de vino y añada la pimienta. Sin dejar de remover, agregue lentamente el aceite de oliva. Vierta todo en un vaso con tapa hermética, ciérrelo y agítelo bien. Pruebe y salpimente al gusto. Corte el tallo de las alcachofas muy cerca de la base y recorte unos 3 o 4 centímetros de las puntas de las hojas. Frote la zona de corte con limón para que no ennegrezca. Ponga agua a hervir en una cazuela grande, añada sal y vinagre de vino blanco o zumo de limón. Introduzca las alcachofas en la cazuela con la base hacia abajo y deje que cuezan durante 30-40 minutos. Hacia el final del tiempo de cocción, compruebe ocasionalmente si las alcachofas ya están tiernas: las hojas deben separarse fácilmente. En cuanto estén listas, saque las alcachofas de la cazuela, déjelas secar y ‘blanquéelas’ (pasándolas por agua fría). Coloque las alcachofas en un plato con la base hacia abajo; introduzca los dedos desde arriba en el interior de la alcachofa, agarre las hojas delgadas y extráigalas con un giro de los dedos. Raspe con una cuchara para quitar los pelillos.

El aliño:

Mezcle la yema de huevo, las cebolletas o chalotas y las alcaparras con la vinagreta. Vierta 2 cucharadas del aliño en el interior ‘excavado’ de las alcachofas y el resto del aliño en un salsero para servir en la mesa. La mejor forma de comer las alcachofas es ir sacando una hoja tras otra y sumergirlas en el aliño.

Receta extraída de ‘Sun, Sea and Food’, de Dalia Penn-Lerner, publicado por Modan Publishing House, Foto: Shay Afgin.

Christoph Keller ha convertido su “Stählemühle” en una de las destilerías de fruta más innovadoras del mundo, y sus exclusivos destilados de hierbas son utilizados por los mejores chefs del planeta. Es un experto en el arte de condensar aromas y refinar los sentidos.

bulthaup: Sr. Keller, ¿por qué denomina a su establecimiento “destilería experimental”?

Christoph Keller: En la Stählemuhle buscamos experiencias sensoriales. Destilamos las materias primas más diversas para confeccionar aromas y experimentamos mucho, por ejemplo con las hierbas de nuestro huerto. Intentamos transformar las hierbas en destilados puros, pero no sólo para beberlos, sino para añadir nuevos aromas a la cocina.

bulthaup: Para apreciar productos tan finos se requieren paladares muy entrenados. ¿Es este el motivo por el que organiza seminarios sensoriales?

Christoph Keller: Sí, los seminarios sensoriales tienen como objetivo sensibilizar a las personas por los destilados. Trabajar con frutas o hierbas representa una excelente oportunidad para descubrir un enorme espectro de aromas.

bulthaup: ¿En qué consisten los seminarios?

Christoph Keller: En primer lugar transmitimos conocimientos básicos como por ejemplo que los frutos con hueso o “drupas” siempre contienen un toque de almendra amarga, de los que puede deducirse que todo destilado con una nota de almendra amarga procederá necesariamente de una drupa. A su vez abrimos nuevas perspectivas sensoriales, por ejemplo con la lavanda. Casi todo el mundo asocia la lavanda a un perfume o a un ambientador de armario, pero pocos saben que posee un fantástico sabor. Las flores de lavanda se disuelven muy bien en las salsas y pueden utilizarse como destilados.

bulthaup: ¿También enseñan cómo refinar aromas?

Christoph Keller: Naturalmente. Aclaramos el proceso por medio de ejemplos concretos. Supongamos que se combina vodka con frambuesa: el vodka, como alcohol neutral, cogerá el aroma de las bayas, y de este modo se obtiene un licor con sabor a frambuesa. Pero si en lugar de las bayas se utiliza destilado, esencia o licor de frambuesa, uno se dará cuenta de que los aromas ganados mediante destilación son mucho más elegantes, finos y precisos. Faltan notas aceitosas, terrosas y romas, ya que se eliminan con la destilazación. En ciencia de los aromas, esto significa que se ha alcanzado un nivel más elevado, con notas de sabor totalmente puras.

bulthaup: ¿Y además de la teoría?

Christoph Keller: El colofón de estos seminarios sensoriales suele ser una cata a ciegas con resultados muy interesantes. La sensibilidad sensorial de las personas es muy diversa. La de las mujeres es mejor que la de los hombres; la de los jóvenes, mejor que la de las personas mayores; y la de los no fumadores, mejor que la de los fumadores…por supuesto, hablando siempre en términos generales. Aparte existen diferencias extremas en el nivel de entrenamiento sensorial de las personas.

bulthaup: ¿Cómo es eso?

Christoph Keller: Algunos han entrenado conscientemente los sentidos del olfato y el gusto, mientras que otros han descuidado su desarrollo. Por cierto, a los niños se les puede entrenar muy bien; nosotros lo hacemos con nuestro propio hijo. Tiene once años y una capacidad extraordinaria para distinguir olores. Por las noches, con sólo oler mi ropa, sabe lo que he estado destilando durante el día. A menudo le acerco un frasco para que lo huela, y así aprende.

bulthaup: ¿Cuándo queda realmente satisfecho con un producto?

Christoph Keller: Nuestra meta es encontrar la esencia de un aroma, y lograr que se corresponda con nuestra idea de la fruta. No sólo debe percibirse el sabor del fruto, sino de todo el  proceso vital de la planta: la flor, el fruto, la descomposición. Si se consiguen reunir en un vaso, uno está cerca de sentirse realizado.

Christoph Keller.Staehlemuehle

Rotis: Un lugar en la región de Allgäu, no muy lejos de Leutkirch- con bosques, praderas y pequeños ríos. Detrás de un aserradero construido en 1414, hay unas casas-estudio sobre pilotes de madera. La luz del sol se filtra a través de estas amplias y luminosas construcciones. La autora Ilse Aichinger una vez escribió sobre Rotis, diciendo que nadie jamás podría entender completamente este lugar, el lugar es “como reservado ya que está abierto”. A principios de los años 70, Otl Aicher eligió Rotis como su lugar para vivir y trabajar, convirtiéndolo así, como él mismo dijo, en una “república autónoma”. Este hombre de renombre internacional emanaba cierto individualismo. Aicher era el hombre encargado de diseñar los Juegos Olímpicos de verano en Munich. Con su concepto visual para los Juegos de Verano, creó una verdadera obra maestra. Fue un diseño de comunicación en sí misma, que comprende las formas y los colores complementarios, un lenguaje que todo el mundo entiende. Internet estaba muy lejos y en comparación con la actualidad, la tecnología de la información era todavía muy precaria. Sin embargo, incluso en 1972, Otl Aicher estaba practicando lo que, treinta años más tarde, fue dado a conocer como “comunicación integrada”, una palabra clave para la comercialización global. En otras palabras, la combinación de todas las formas de comunicación para crear un efecto uniforme y concordante. Los diseños de Otl Aicher para la auto-representación visual de las empresas e instituciones dieron lugar a la formulación de una “identidad corporativa”. Creó un sistema de pictogramas internacionalmente comprensible, basado en figuras geométricas, y se convirtió en el “padre del hombre geométrico”.  Sus colores se convirtieron en los colores de los Juegos – azul cielo, verde lima, amarillo y naranja. Para Aicher, el internacionalismo era algo inspirador, y liberador. Después de su éxito en Munich, los organizadores de los Juegos de Verano de Moscú también querían trabajar con Aicher. Pero el plan falló en última instancia, por un simple razonamiento: Aicher no pondría rojo, el color ideologizado por los comunistas, a la vanguardia de su diseño. El hombre era terco y tenía sus principios. Y él se mantuvo fiel a ellos.

Sus pictogramas Rotis son conocidos en todo el mundo. No hay ni un solo edificio, aeropuerto o estación de tren que sus personajes y pictogramas no estén presentes. También una tipografía especial Rotis creada desde un punto de vista humanista, y que lleva el nombre del lugar en Allgäu. Para empresas como ERCO o Braun, Lufthansa o Gruner + Jahr, Aicher creó una nueva imagen pública. Y lo hizo también para bulthaup. El logotipo y la fuente tipográfica proceden de Otl Aicher. bulthaup ha estado trabajando con la tipografía Rotis desde hace muchos años. “Cuando conocí a Otl Aicher a finales de 1970″, recuerda Gerd Bulthaup, “era el deseo de Aicher que creáramos una imagen que implicara la cultura del comer”. Otl Aicher y Gerd Bulthaup hicieron muchos viajes durante tres años, y hablaron sobre aparatos de cocina y el arte de cocinar en Europa. El fruto de su trabajo fue producido en 1982 – un libro titulado “La cocina para cocinar” (“Die Küche zum Kochen”). También rindió homenaje al filósofo Ludwing Wittgenstein, quien una vez dijo: “Aprender cómo se usan las cosas da la clave de todo conocimiento”. La experiencia cuidadosamente investigada de los materiales, la ergonomía y el valor de la funcionalidad, fluyó en la filosofía de producto de bulthaup. El resultado fue sofisticados productos, creados con materiales éticamente sólidos. Cuando llegaba a la funcionalidad, Aicher planteaba preguntas sobre el propósito, y buscó respuestas en cuanto a la naturaleza de las cosas. Su realización: “en todo, hay una estructura de base, una forma ideal”. El mensaje de Aicher se escuchó a lo largo y ancho. Su influencia está en muchas mentes creativas que conforman el mundo de los negocios, la política y la cultura. El arquitecto Sir Norman Foster recuerda: “Eran las tres de la tarde. Cogí el teléfono y llamé a Otl Aicher. Otl estaba a menudo de viaje, pero para mi sorpresa, me lo encontré en Rotis. Respuesta de Foster: “Estoy en mi oficina de Londres, pero puedo verte en Leutkirch a las siete y cuarto”. Su jet privado aterrizó esa misma noche en el pequeño aeropuerto en Leutkirch.
Aicher no era solo un diseñador de comunicaciones. También fue escritor y filósofo. Tomó el derecho humano fundamental de la libre determinación, literalmente. Escribió una vez Aicher, “mi propiedad de cuatro hectáreas es una república autónoma, un enclave”. La autonomía nace de la resistencia contra el poder del Estado. Aicher confió en su propio generador de electricidad, y en sus propias verduras de su jardín. Quería vivir de forma independiente, libre, cerca de la naturaleza. Luchó por las supresiones del ruido de los aviones y se unió a la batalla política contra la militarización en la era de la Guerra Fría. A pesar de los desastres, la obra de su vida habla del amor por el prójimo. Otl Aicher, nacido en Ulm en 1922, murió en 1991 después de un trágico accidente de tráfico en Rotis.

El éxito no empieza siempre con un plan comercial perfectamente definido: puede surgir también  del deseo de ofrecer una buena comida a unos buenos amigos. Pero una vez concebido el plan, hay que aplicarlo de forma sistemática.

Al principio éramos sólo cuatro, cuatro amigos que vivían por casualidad en la misma casa de Greenwich Village, en el sudoeste de Manhattan: Felipe, cocinero; Joel, editor; Giorgio, profesior de historia; y Jack, artista. Teníamos varias cosas en común: éramos curiosos, teníamos talento y buen gusto y cultivábamos un modo de vida elegante. Pero lo que nos gustaba más era cocinar y comer bien. Y un buen día empezamos a cocinar juntos. Organizábamos comidas, adornábamos la mesa con gusto exquisito y poco a poco nos fuimos convirtiendo en una especie de familia.

Soñábamos con abrir una tienda de comestibles en el centro de Manhattan: no una tienda corriente, sino un establecimiento de artículos selectos que fuera elegante y sintonizara al mismo tiempo con el barrio. En los años setenta había en el SoHo un ambiente muy especial. En él vivían muchos artistas y reinaba una actitud abierta y el gusto por la experimentación. Joel Dean, Giorgio de Luca y Jack Ceglic  nos embarcamos en el proyecto. Miramos nuestro alrededor, observamos todo con atención y tratamos de combinar los distintos elementos de un modo intelgente. Pero intentamos también permanecer fieles a nosotros mismos.

No hemos descubierto el Mediterráneo. Nuestra tienda está en Nueva York, pero hemos aprendido sobretodo de Europa. Los tres hemos viajado por todo el continente europeo. Recorrimos Dallmayr y Käfer en Munich, fuimos a Harrod’s en Londres y visitamos Fauchon en París. Nos gustó tanto lo que vimos, que adoptamos sus ideas y las combinamos con las nuestras. Y como somos neoyorkinos de pura cepa, el resultado fue una mezcla muy original. Todo esto ocurriço hace 27 años.

La filosofía de Dean &DeLuca ha sido siempre muy sencilla: ofrecer los mejores alimentos del mundo. Para los clientes que no les gusta cocinar, tenemos excelentes platos preparados. Para los clientes a quienes les gusta la cocina, tenemos ollas y sartenes de primera calidad. Tratamos de transmitir un estado de ánimo especial – el espíritu de Dean&DeLuca. Joel Dean es una especie de capitán que cuida que todos hagan lo que mejor saben hacer.

Muchas personas creen que es fácil dirigir una tienda como la nuestra. Todo lo contrario: lograr una excelencia discreta es algo muy complicado. Todo lo que es sencillo – nuestra tienda es un buen ejemplo de ello – hay que pensarlo con mucho cuidado. Cuanto más sencilla es una cosa, más reflexión se requiere para llevarla a cabo. Nosotros nos esforzamos todos los días en conseguirlo.

El concepto fundamental de Dean&DeLUca es el de un mercado con muchos puestos diferentes. Cada familia de productos posee un lenguaje y un carácter propios. La sección de pescadería no se parece a la de carnicería. El pescado se dispone con esmero sobre unos trozos de hielo, mientras la carne se apila formando gruesos montones. El carnicero puede empuñar su cuchillo y chilla a gritos al cliente siguiente, pero el encargado de la charcutería debe tener un aspecto elegante, ser cortés y mostrar una actitud llena de dignidad. Las bandejas de encaje de papel tienen un sitio debajo de los artículos de repostería, pero están fuera de lugar en otras secciones de la tienda.

El diseño no es lo más importante para nosotros. La sencillez es también la nota dominante en nuestros escaparates. En Prada, que se encuentra justo enfrente de nuestra tienda principal, en Broadway, la decoración interior del arquitecto Rem Koolhaas se impone sobre el establecimiento. Estos aburre pronto, porque nunca cambia nada. No hay sitio para respirar, pues todo ya es perfecto. Nosotros preferimos algo imperfecto y flexible.

Hemos abierto sucursales en todo Estados Unidos. Pero antes de inaugurar una tienda, investigamos sobre el terreno las características de cada lugar. Antes de inaugurar nuestra tienda del barrio de Georgetown, en Washington, visitamos todos los supermercados de la ciudad. Probamos todos los tipos de pan que pudimos encontrar para conocer el “sabor” de la ciudad y los gustos de sus habitantes. El sabor local es muy importante.

Nos consideramos unos comerciantes y unos suministradores de alimentos en el sentido tradicional y europeo de la expresión. En Estados Unidos, este tipos de cultura se perdió en los años treinta y cuarenta, con la apertura de los supermercados. En Europa, sin embargo, los comerciantes han sido siempre muy respetados. Pertenecer a esta profesión significa tener un cierto estilo. No somos arrogantes ni altivos. Simplemente sabemos lo que queremos.

Nos encantan Italia y Francia. Allí siempre andamos buscando cosas exquisitas y de calidad. No cabe duda de que la comida tailandesa es maravillosa, pero el consumidor americano, cuando va a cenar a un restaurante elegante, lo primero que piensa es en la cocina francesa, mientras que cuando cocina en casa, para los amigos, prefiere la cocina italiana. Esto no ha cambiado desde los años cincuenta. Las tapas españolas están de moda y son muy populares, pero a la mayoría de los clientes les sigue gustando la cocina italiana y francesa y permanecen fieles a ella.

En nuestra sección de embutidos –como no podía ser menos- predominan los artículos alemanes y austríacos. ¿Por qué habríamos de buscar en otro sitio? Una copia nunca es tan buena como la original. Todos el mundo sabe dónde encontrar la mejor salchicha blanca y de dónde es el mejor jamón o el gruyère de calidad superior.

Lo más difícil de nuestro oficio es mantenerse al día respecto de las últimas novedades. Hoy en día trabajan muchas personas en el sector de la alimentación y todos se miran por encima del hombro. Nosotros intentamos no perder el rumbo y concentrarnos en productos nuevos y tendencias prometedoras.

Los clientes son en el fondo nuestra principal preocupación. Muchas personas vienen a nuestra tienda para conocer algo nuevo y sin saber muy bien lo que quieren comprar. Nosotros estamos aquí para acercarles a lo desconocido, a lo que sale de lo corriente. Deben marcharse de nuestra tienda con el deseo de volver enseguida para probar más. Pretendemos ser un motivo de inspiración para ellos. Así es como hemos conseguido una clientela fiel, pues la comida no es lo único que atrae a la gente a nuestro local, sino la experiencia que supone el acto de comprar. Cuando inauguramos nuestro establecimiento en Madison Avenue, acudieron muchas personas sólo para ver la tienda, pues sabían que valdría la pena. Si además la oferta es atractiva, volverán otra vez, pero esta vez como clientes.

DEAN & DELUCA. En realidad, la más famosa tienda de comestibles finos de Nueva York debería llamarse Dean, DeLuca, & Ceglic. En efecto, el  primer Dean&DeLuca la fundaron en 1977 en SoHO los tres amigos. Hoy la casa matriz en Broadway esquina Prince Street es no sólo un paraíso para los aficionados de la buena mesa, sino también una de las atracciones turísticas de SoHO. Dean & DeLuca ofrece entretanto los mejores productos culinarios en todo Manhattan, a través de todo EEUU de Virginia a California e incluso Tokio. Quien no tenga una sucursal a la vuelta de la esquina, puede llevarse a casa un gran número de productos preparados. El diseño de los productos, simple, moderno y con un toque de elegancia, hace incluso del especiero un objeto decorativo.

Cuando la simplicación se lleva a sus últimas consecuencias, el resultado es una arquitectura perfecta. Ella contiene un potencial inagotable de riqueza y sensualidad y crea espacios en los que es posible soñar.

 „Así como podemos decir que el arte culinario resultó del arte de comer, así también podríamos decir que el arte de edificar se deriva del arte de vivir“ Witold Rybczynski

„ El efecto profundo que ejerce en nosotros la simplicidad nos revela el exceso de ruido que ha invadido los paisajes que nos rodean“ Peter Zumthor

Durante la década de los 70 residí una temporada en Japón. Recuerdo vivamente una visita que hice al palacio Katsura en Kyoto, y todavía me veo mirar, mientras como pastas tradicionales y bebo té, el lago artificial hecho expresamente para poder contemplar mejor la luna. Esta experiencia resume todo lo que ha hecho sentirme desde siempre atraído por la simplicidad. Todos los detalles formaban un conjunto perfecto: la mesa, la vista, el lago, la ceremonia de salutación y la ceremonia de despedida. Ni una sola nota discordante, nada que desentonara. El escritor Brice Chatwin observó una vez que „una habitación – cualquier habitación, en cualquier parte- debería ser un espacio donde es posible soñar“.  En el palacio Katsura se hallaba el espacio perfecto en el que se podía soñar, una arquitectuira que era resultado de llevar la simplicidad a sus últimas consecuencias.

El palacio Katsura es sólo uno de toda una serie de ejemplos que han determinado mi modo de concebir el espacio. Desde el punto de vista histórico y cultural, los ejemplos son bastante diversos: la arquitectura cirtescense, la Bauhaus, el movimiento Shaker y los edificios de Mies van der Rohe. La perfección del palacio de Katsura o de la casa de campo  de Edith Farnsworth, construida por Van Der Rohe, no puede repetirse al pie de la letra. Esos objetos fueron concebidos para una época particular, y por eso cumplen su cometido. No son los detalles de un estilo determinado lo que aquí importa, sino la sensibilidad que anima la obra. El hilo conductor lo forma la idea de la simplicidad con su potencial, paradójicamente inagotable, de riqueza y sensualidad.

La simplicidad y el ritual son para mí los dos ejes del arte de edificar. Mi propósito es crear espacios gratos a la vista y en los que sea posible ejecutar ciertas actividades con perfecta naturalidad. La reducción a lo mínimo no debe confundirse con la austeridad o privación, en términos estéticos o funcionales. Esas reducción significa: claridad de línea, claridad en las proporciones, en el uso. La claridad responde al hecho de que el ojo, espíritu y cuerpo deben sentirse bien si un espacio ha de permitir estar a gusto dentro de él. Negación de una estética deshumanizada, esta arquitectura se adapta minuciosamente al inquilino individual y resulta de los rituales del uso y no de las convenciones de la forma.

„El diseñador sabe que ha logrado la perfección, no cuando ya no puede añadirse, sino cuando ya no puede quitarse nada“. Antoine de Saint-Exupéry, „Viento, arena y estrellas“ (1939)

Es sumamanete difícil practicar la auténtica reducción a lo mínimo. La gente persiste en la idea de que para operar esa reducción no se necesita más que echar fuera del sofá y pintar unas paredes de blanco. Pensar así significa pasar por alto la idea subyacente al afán reduccionista. En efecto, la meta no es una arquitectura de la ausencia. No por lo que falta, sino más bien por la armonía y justeza de lo que está presente se define el minimalismo. Cuando se reduce o simplifica, a primera vista parece que cada vez hay menos cosas que ver. Luego, conforme se avanza en el proceso de limitación y reducción, se llega a un punto que se traspasa un límite. Entonces se accede a esa dimensión que en mi libro „Minimum“ describí como un mundo opuesto a lo real, en el que si se mira con suficiente claridad, no se ve reflejado el vacío, sino un sentido de la plenitud. Al espectador se le manifiesta la opulencia de la sobriedad, la simplicidad adquiere un carácter épico, las proporciones cobran vida, y de repente se advierte que existen 50 diferentes matices de blanco.

 Como muy bien dijo Richard  Serra: „ La razón por la que trabajo es averiguar lo que no sé; en absoluto reciclar lo que ya sé.“

Siempre que acepto un nuevo encargo comienzo otra vez de cero. Con ello no quiero decir que siempre tengo que trabajar en tabula rasa. Mi propia casa de Londres fue uno de esos proyectos en los que tuve que ceñirme el reto adicional de introducir en el viejo marco nuevas maneras de ocupar un lugar y de vivir en él. La materia prima con la que tenía que trabajar que era una casa adosada del s.XIX de Notting Hill. El primer paso consistió en pintarlo todo de blanco y poner esteras de caña en el piso para conocer el edificio en su estado original. Si se quiere comprender dónde aciertan y dónde fallan las proporciones y además captar el detalle, es muy importante entender el modo como la luz y los ángulos visuales afecta a cada uno de los espacios. Sólo tras esta fase premilinar es posible comenzar con las obras propiamente dichas.

En mi obra, el papel protagonista le corresponde a la luz. También la luz artificial desempeña un papel, pero mi atención la concentro en la interacción entre la luz natural y la sombra. Hace un tiempo pasé en México una temporada para estudiar los edificios diseñados por Luis Barragán. Su dominio de la luz era perfecto. El modo en que penetra en los interiores. Gracias al efecto lumínico, formas y materiales simples e incluso austeros se vuelven ricos y sugerentes,.

La arquitectura ha de disolver las barreras convencionales entre  interior y exterior, respetando nuestra necesidad de que las casas  sean refugio y lugar de retiro.

 „No importa cuán pequeña sea una habitación- escribió Bruce Charwin-, mientras tu mirada pueda vagar libremente en sus confines, el espacio contenido en ella será ilimitado“.  

La característica esencial de la entereza- el que una cosa parezca de una sola pieza, de manera que el espacio conserve su carácter abstracto de idea –depende quizás, en primer lugar, de la calidad de las junturas.

Una foto del arquitecto Shiro Kuramata me hizo resonar algo dentro de mí. Lo que vi me causó la impresión de un fuerte sentido de la justeza. La obra era el resultado de una disciplina y un sentido poético que aceptaban el lugar que corresponde a la gracia del día a día. Eso, a mi juicio, pertenece a la esencia  misma del minimalismo: la relación que hace posible entre lo profundo y lo cotidiano.

John Pawson nació en la ciudad de Halifax. Antes de dedicarse a la arquitectura, trabajó en la fábrica de textiles propiedad de su familia y vivió y enseñó algunos años en Japón. De regresó en Inglaterra, se inscribió un breve tiempo como estudiante de arquitectura y fundó en 1981 su propia empresa. La estética purista de Pawson ha producido obras tan diversas como el pequeño apartamento para el escritor Bruce Chatwin y la casa matriz de Calvin Klein en Manhattan.

En Vicky, Cristina, Barcelona, el personaje interpretado por Penélope Cruz golpea con ahínco la superficie de una cocina bulthaup en un arranque de cólera memorable. La cocina de su ex marido pintor, encarnado por Javier Bardem –su actual pareja en la vida real–, es un rincón algo abigarrado y acogedor de la casa-estudio donde se desarrolla una de las escenas más hilarantes de esta cinta española de Woody Allen.

La acción de Deliciosa Marta transcurre entre fogones. Su protagonista apenas tiene vida fuera de la cocina de su restaurant y de su casa; es el entorno donde se siente cómoda, el escenario de su cotidianidad, de sus triunfos y de sus sinsabores. Para crear esa atmósfera central para el desarrollo de la trama, la directora alemana Sandra Nettelbeck eligió, cómo no, las múltiples posibilidades de la marca bulthaup.

El amnésico Jason Bourne, interpretado por Matt Damon, busca desesperadamente pistas para reconstruir su identidad. En su acelerado y arriesgado periplo huyendo de peligros que le resultan incomprensibles –no sabe de qué se le acusa– de repente entra en un piso y se queda boquiabierto: “¡Mi cocina!” Algo fría y desangelada, pero inconfundiblemente suya. Se ha movido un recuerdo profundo. En El caso Bourne, una vez más, se optó por la marca bulthaup.

Juliette Binoche y Jeremy Irons en Herida; Hugh Grant en Un niño grande… un largo elenco de grandes figuras del cine se mueven en escenarios donde bulthaup contribuye a crear la atmósfera deseada en cada caso.

En una amplia gama de producciones que van desde Hollywood hasta el cine independiente europeo, los estilistas han venido eligiendo una y otra vez bulthaup; a veces, marcando tendencias en la creación de espacios vitales abiertos enormemente atractivos, pero más allá de crear paradigmas, la elección se debe a menudo a la enorme versatilidad de la marca, a su capacidad de dar pistas sobre quién es un personaje mostrando las claves de lo que ha elegido para crear su hogar.

bulthaup:  un lugar en la gran pantalla, un privilegio que pocas marcas han conseguido ganarse a pulso.

El mundo de Sissel Tolaas se compone de moléculas. Los olores que crea informan en lugar de perfumar. Tolaas es capaz de traducir la realidad a fórmulas aromáticas.

bulthaup: ¿por qué su obsesión con la nariz?

Sissel Tolaas: la nariz se entera de un montón de cosas antes de que los demás órganos sensoriales lleguen a percibir algo. Por desgracia, la mayoría de las personas son „ciegas de olfato“, debido a que vivimos en un mundo que privilegia la vista. La nariz apenas desempeña ya un papel en nuestra sociedad; hemos olvidado lo que este órgano sabe. Únicamente en la publicidad de perfumes nos atrevemos a hablar de olores. Hoy en día se dirige demasiada atención a la apariencia de un mundo aséptico y sin olores. Convendrá aprender de nuevo qué es el olor y qué significa.

¿Ha aprendido de nuevo a oler?

He investigado mucho en el ámbito de la nariz y el olfato y muchas veces me he preguntado: ¿cómo puedo hacer que mi olfato se vuelva tolerante a todos los olores, cómo puedo volverme neutral? Es posible librarnos de los prejuicios olfativos. Con ayuda de la industria del perfume puedo reproducir infinitos matices odoríferos, y de este modo entrenar mi percepción y la de los demás en el mundo de los olores.

¿Es un proceso complicado?

Cuanto más avanzamos en edad, más complicado es reprogramarse. Los prejuicios de nuestro sentido del olfato son muy básicos y se hallan profundamente asentados en el subsconsciente. El primer instante en que percibimos un olor decisivo: el que en ese momento lo asociemos a una sensación positiva o negativa determina nuestra relación con ese olor para el resto de nuestra vida. Así que deberíamos empezar temprano a estimular nuestro órgano olfativo.

Usted ofrece talleres de entrenamiento del olfato, por ejemplo, para niños de guardería y primaria. ¿Qué les enseña sobre los olores?

Cuando los niños huelen una determinada molécula por primera vez en su vida, le asignan un significado que queda grabado en su subconsciente. Les dejo jugar con moléculas aromáticas abstractas, somo si fueran números o letras. Las huelen e intentan describirlas…más allá de categorías como bueno o malo. Entonces comienzan a combinarlas con otras moléculas, y así descubren  lo que se esconde destrás de las moléculas abstractas. Con los olores cuento historias, y a través de varios métodos trato, en general, de sensibilizar a las personas en el campo olfativo. Procuro mostrarles el camino hacia otras herramientas de la percepción. Es una especie de expansión de la conciencia.

En su domicilio de Berlín ha acumulado un impresionante archivo de olores. ¿cuándo comenzó esta pasión de coleccionista?

Entre 1990 y 1997 aproximadamente me dediqué a coleccionar olores y archivarlos analógicamente, sin ningún conocimiento técnico industrial. Entre 1997 y 2004 participé en muchos proyectos sobre olores y trabajé en y con distintos laboratorios, a menudo por encargo y con apoyo de empresas. Desde 2004 colaboro con IFF INC., uno de los mayores fabricantes de aromas y sabores, que elabora por ejemplo perfumes para Prada y Calvin Klein. En mi estudio de Berlín, han puesto a mi disposición un laboratorio de olores completamente equipado.

¿Cómo se „atrapa“ un aroma?

Utilizo la tecnología llamada Headspace, que permite extraer aromas mediante una bomba de vacío. A continuación el aroma se descompone en sus elementos más pequeños, las moléculas, y se analiza. Una vez que conozco su fórmula, puedo reconstruirlo químicamente.

Uno de sus actuales trabajos se llama „Nasalo“ ¿También trata de historias invisibles?

Nasalo es un diccionario de olores. Es un intento de describir olores mediante conceptos. A través del proyecto „City Smell Research“ recojo olores de distintas ciudades del mundo, como México D.F., París, Liverpoool, Detroit o Ciudad del Cabo –olores de comidas, bebés, transpiración o incluso de habitaciones o de barrios- y los reproduzco. A continuación llevo los olores de vuelta a su correspondiente realidad y planteo cuestiones analíticas: ¿cómo puedo describirlos mediante palabras? ¿Qué nos transmite un olor sobre las empresas, los cuerpos, las ciudades, los materiales, los productos? Estos enunciados se analizan en colaboración con antropólogos y lingüistas y se reformulan usando conceptos concretos, que después se utilizan entre otras cosas en sistemas de comunicación, como guías turísticas, programas de formación o en el sector de las relaciones públicas y la publicidad.

¿Qué importancia tiene para usted el aroma de una comida?

Tanto el sabor como el olor son extremadamente importantes. La experiencia de la comida está determinada también por la nariz. Algunas veces me como el arroz natural que acompaña a un plato, y éste sólo lo huelo. Es interesante saber que el placer del gourmet puede intensificarse de esta manera. Cuanto más complejo es el aroma de un plato, más exquisita es la comida.

Sissel Tolaas olfatea su entorno. Para esta noruega, no existen buenos a malos olores. La investigadora del olfato analiza todo lo que llega a su pituitaria y a continuación lo reproduce. Tolaas se denomina a sí misma „professional in-betweener“, y se posiciona entre el arte y la ciencia. Artista, lingüista, matemática y doctora en química, realiza sus investigaciones en su Smell Re_searchLab de berlín, patrocinado por IFF INC. (International Flavotrs & Fragances), donde también desarrolla proyectos interdisciplinares sobre el tema de los olores. Trabaja en una red de empresas globales activas, institutos de renombre y colaboradora con prestigiosas universidades, entre ellas Harvard, Stanford y Oxford.

La creatividad es producto de la rutina y de la paz interior que nace del trabajo y la meditación. Partiendo de esa filosofía, Tadao Ando crea espacios silenciosos que invitan al recogimiento.

Meditación y trabajo. La creatividad se basa en la rutina. Meditar con regularidad es una especie de actividad rutinaria. La forma de meditar de los monjes es distinta de la mía. En mi caso, meditar es pensar continuamente sin prestar atención a lo que sucede a mi alrededor. Yo pienso y medito mientras trabajo y me traslado a un sitio a otro durante el día. En la vida todo ser humano debería ser la base de la creatividad. El momento del día más propicio para la creatividad es el anochecer. Nuestro espíritu se abre con el crecúspulo. Esto es algo inherente a la naturaleza humana. Para los budistas el paraíso se encuentra allí donde se pone el sol. Sus templos están orientados hacia el oeste para que los rayos del sol iluminen la estatua de Buda al final del día. Yo tuve en cuenta esta tradición cuando diseñé el templo acuático de Hompukuji, en la isla de Awaji.

 El silencio del material. Si todo ser humano debe meditar, como creo yo, entonces tiene que disponer de un lugar tranquilo y silencioso donde poder hacerlo. Mi responsabilidad como arquitecto es construir espacios de meditación con un material fácil de obtener y de trabajar y que, al mismo tiempo, sea barato. Hoy en día este material es el hormigón. Proyecto espacios que envuelvan, oculten, protejan y estimulen a los seres humanos y sus experiencias de meditación. Pero el hormigón no es el único material adecuado. Puede ser también la madera, el bambú o el acero.

El miedo del arquitecto. En otros tiempos fui boxeador. El boxeo puede ser un deporte mortal. Entonces vivía sumido en una angustia constante. No podía comer, no podía dormir y vomitaba con frecuencia. Recurrí a la meditación y he de decir que me ayudó. Hoy siento miedo también como arquitecto. Puedo tener ideas magníficas, trazar proyecto y plasmarlos en edificios. Pero al hacerlo me siento muy solo. ¿Qué pasaría si el edificio resultara un fracaso?¿Me darían una nueva oportunidad? En caso contrario ¿qué sería de mis empleados? Como boxeador aprendí a tomar mis propias decisiones, a aplicarlas de forma consecuente y a responsabilizarme de ellas. En este sentido, la vida de un boxeador y la vida de un arquitecto guardan una gran semejanza. El vínculo que las une es la meditación.

Serenidad y muerte. Después que decidí ser arquitecto, hice un viaje alrededor del mundo. Durante el viaje de vuelta pasé por Bombay y Benarés, y allí vi los cuerpos de los muertos flotar serenamente en el río. Fue la primera vez que me enfrenté a la muerte de forma consciente. De repente me sentí vivo y tranquilo entre las personas que no conocían el miedo a morir. Desde niños se les enseña que renacerán eternamente. Y entonces me dije: „Estoy aquí, tengo una vida por delante y quisiera saber qué voy a hacer con ella“. Incluso hoy esta experiencia espiritual sigue viva en mi trabajo.

Espacio y paz. En 1994 construí una sala de meditación para el edificio de la UNESCO en París. El secretario general Federico Mayor quería que tratara en ella el tema de la guerra. Al fin y al cabo había muchas guerras de religión, Bosnia, Irak…Planteó la siguiente pregunta: ¿cómo se podrían superar las diferencias culturales y las barreras religiosas para que los hombres de todo el mundo pudieran vivir en paz? Para mí, la meditación era la única respuesta posible. Pedí al alcalde de Hiroshima algunos cascotes de los escombros originados por la explosión de la bombra atómica, y los utilizamos en el suelo como una advertencia simbólica.

 Cánones de belleza. En la civilización occidental, la belleza, la perfección de las formas y la estética en general guardan una estrecha relación con las leyes de la geometría. Estas reglas han sido un sinónimo de perfección desde los griegos y los romanos. Sin embargo, la concepción japonesa de la belleza es menos estática; se basa más en el flujo constante de los sutiles cambios registrados en la vida cotidiana. Es un modo de sentir intuitivo, que busca el equilibrio en la renovación y el movimiento incesantes, que encuentra la belleza en el vago equilibrio proporcionado por la naturaleza.

Perfección es emoción. La perfección sólo existe en el interior del hombre, no en la forma de los objetos. Personalmente no creo en absoluto en la existencia de la perfección. Sólo la percepción determina lo que es perfecto. La perfección sólo vive en el corazón de cada persona.

Muros y transparencia. Cuando meditamos en un lugar rodeado de muros, podemos ver a través de ellos simplemente con el poder de la imaginación. Gracias a esta capacidad especial, todos los ciudadanos del mundo podrían vivir en paz. Podrían imaginar soluciones para los conflictos.

Zona Cero. Mi proyecto para la Zona Cero de Nueva York es un sencillo montículo de tierra cubierto de hierba que tiene la forma de una tumba tradicional japonesa. Un japonés lo identificacría de inmediato como un túmulo funerario, pero un norteamericano tal vez no. Las percepciones varian en función de las distintas culturas. Sin embargo, con independencia de su identidad cultural, todos los hombres saben instintivamente cuándo se encuentran ante un monumento conmemorativo. En este caso la sensibilidad no conoce fronteras. En el caso de la Zona Cero, imaginé que la gente se sentaría en el túmulo cubierto de hierba y que estos extraños empezarían a hablar entre sí, se intercambiarían recuerdos y se consolarían mutuamente.

Negocio e inspiración. Creo que no es una arrogancia afirmar que los arquitectos, los artistas y los diseñadores de moda somos en realidad unos filósofos. Todos creamos entornos que incitan a pensar. Pertenecemos más al mundo de la filosofía que al mundo de los negocios.

Libre de molestias. Mi trabajo es crear una atmósfera que permita al observador sentir, reflexionar y meditar sin que nada le moleste. Quisiera contribuir a establecer un nexo de unión entre el arte, la naturaleza y el ser humano. La buena arquitectura nos permite elevarnos a un plano espiritual.

Sentir la tierra en el agua. Cuando estamos a la orilla del mar y contemplamos el horizonte, podemos sentir la totalidad de nuestro planeta y de nuestra vida. Percibimos la Tierra como un globo. El agua nos hace pensar en esta esfera, en la naturaleza y en el entorno. Donde mejor se medita es junto al agua.

TADAO ANDO. Nació en Osaka y llegó a la arquitectura por una vía poco común: tras un aprendizaje con un carpintero de la vecindad y un breve intermezzo como boxeador, Ando se dedicó entre 1962 y 1969 a recorrer primero Japón y más tarde el mundo entero para visitar y analizar las grandes obras de la arquitectura universal tomando apuntes en su albúm de bocetos. Tras su retorno abrió, con sólo 28 años, un estudio de arquitectura y no tardó en alcanzar la fama, primero en Japón y a partir de los años 80 a escala mundial. Se ha hecho célebre por sus edificios de un hormigón de textura extremadamente fina y suave, cuyo secreto reside en la perfección de los moldes de madera, a veces sellada, que utiliza para el vaciado. Tadao Ando ha sido galardonado con varios premios de arquitectura de gran prestigio internacional, entre otros, el premio Pritzker en 1995. Tadao Ando vive en Osaka.